さらに会場は興奮の坩堝となり、スタンディングとなり、キーシンが見えなくなってしまって終わり。

　　　　　　　　とてもいいリサイタルだった。テレビの演奏会は録画してもあまり見ないのだが、これはもう三回も見てしまった。

　　　　　　　　　　　　　　　なんといっても、綺麗な音で、華麗なテクニックで豪快に聴かせる演奏はとても楽しいものだ。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　今年、キーシンは来日するらしいが、東京公演は抽選らしい。　

また、マドレーヌ寺院での初演では、寺院の司祭から斬新過ぎると叱責されたらしい。このほか、当時から「死の恐ろしさが表現されていない」「異教徒的」などとの批判が出された。フォーレのレクイエムは当時のカトリックの死者ミサでは必須であった「怒りの日」などを欠くなど、そのままではミサに用いることの出来ない形式をとっている。これに対してフォーレは1902年に次のような手紙を書いている。「私のレクイエム……は、死に対する恐怖感を表現していないと言われており、なかにはこの曲を死の子守歌と呼んだ人もいます。しかし、私には、死はそのように感じられるのであり、それは苦しみというより、むしろ永遠の至福の喜びに満ちた開放感に他なりません。」

また、晩年の1921年に、ルネ・フォーショワ（歌劇『ペネロペ』の脚本を手がけた）への手紙に次のように書いている。「私が宗教的幻想として抱いたものは、すべてレクイエムの中に込めました。それに、このレクイエムですら、徹頭徹尾、人間的な感情によって支配されているのです。つまり、それは永遠的安らぎに対する信頼感です。」

第１部：ピアノの低音域が一発入り、上昇して奏でている。高音域が奏でて歯切れが良くなった。ブリリアントに艶が出て、やがて、重圧感へと変わっていく。

　第２部：ピアノが寂しげに奏でながら、徐々に弾んだ。オーケストラが行進曲調にホルンやフルートと掛け合う。ピアノがブリリアントにフルートと掛け合う。オーボエ・ソロからクラリネットとピアノが掛け合い、キレのあるヴァイオリンから第九に似たメロディーのオーケストラにブリリアントなピアノが掛け合う。キレのあるオーケストラとピアノ。

プロムス２００８　ラスト・ナイト・コンサート

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一流の音楽家が本気になってコラボレーションすると、こんなにもすごい事になるんだと実感したコンサートでした。アンコールも５曲もあり、演奏する側もノリノリ、聞いているほうも、どんどん興奮して時間を忘れてしまいそうでした。

今日は、いつも聞いている福井さんの音楽がまるで違っていたのです。最初は軽くイタリア歌曲から始まり、お互い軽いジョブを交わしあう感じでした。なんだか、いつもより違う感じだなと思いながら聞いていて、だんだん、「そう来るなら、こう行くぞ。こう来たのなら、これでどうだ！」というようなピアノと歌のコラボレーションが始まっていったのです。

ご推察通り全3曲の演奏時間は30分を優に超える遅さです。第1曲『雲』は『海』の演奏から想像した通りの、感興豊かな大変に美しい演奏でした。

　第2曲『祭』の冒頭が、当たり前の早めのテンポで開始された事に逆に吃驚！しかし中間部の2/4拍子から様相は一転、突然にテンポを落としたこの部分は、『ローマの松』の第4曲『アッピア街道の松』かと思わず耳を疑ってしまいました。

　第3曲『シレーヌ』冒頭の女声コーラスの生々しさに仰天…。もしチェリビダッケの演奏と知らずにこの部分を聴いていたら、単なる際物と決め付けて直ぐにディスクを取り出していたでしょう。しかし、曲が進むにつれて訪れる静謐さはより感動的に……。すっかり魅せられてしまいました！その一方で、｢指揮者の演出過剰ではないか｣との疑念を抱いたことも事実です。

　とは言いつつも、正統な演奏であるか否か、今後愛聴盤と成り得るか否かは別として、ここまで惹き込まれる演奏家を私は殆ど知りません。ライヴということで音質を心配したのですが、幸い聴いたディスクの範囲では何ら不満は感じませんでした。ドイツ音楽やロシア音楽のディスクも発売されているようですので、これから少しづつでも聴いていきたいと考えています。

たとえいつの日か、人生がわたしからあなたを引き離そうと、

あなたが死んで、遠いところへ行ってしまおうとも、

私を愛してくださるなら、たいしたことではない

なぜなら私もまた死ぬのだから

わたしたちは永遠を手に入れるでしょう

はてしない青さのなかで

もう何の問題もない空のなかで

神は愛する二人を結び合わせる

２曲目。実はお目当てはこの曲だった。というのも、前回公演でもらった10月プログラムのなかに、この曲がレスピーギの華麗な音楽の原点であり、第１ホルンと第３ホルンが重要だと書いてあったからである。

曲は魅惑的な弦の音色で始まり、そのあとに第３ホルン（今井仁志）が主題の旋律を奏で、第１ホルン（松崎裕）がそれをエコーで補う。２人の音色が絶妙のハーモニーを轟かせる。そのあとにチェロ（藤森亮一）の主題が重ねられていくのだが、オケ全体には若々しい色彩感豊かなレスピーギの世界が繰り広げられる。それは純粋な乙女心をもったようなオーケストレーションで、この曲がまぎれもなく後の名作となったローマ三部作の原点であるということが解る。たった６分の曲なのだが、すぐにもう一度聴いてみたいと思うぐらい、素晴らしい隠れた名曲だと思わざるをえなかった。

　90年ミュンヘン国際ＡＲＤコンクール入賞、“ロベルト・カルアーナ”国際チェロコンクール優勝。91年、ベルリン・フィルに入団。93年より第１ソロ・チェリストを勤める。96年にはクラウディオ・アバド指揮ベルリン・フィルと、ショスタコーヴィチのチェロ協奏曲第２番でソリスト・デビューを果たす。2007年1月のベルリン・フィル定期演奏会では、クリストフ・エッシェンバッハの指揮の下、アンリ・デュティユーのチェロ協奏曲を演奏し、絶賛を博した。

ロストロポーヴィチ生前最後のコンサートを聴いている私としては彼の

言葉の重みを知っています。まさに感動的な演奏でした。約５分間の第３楽章全体がカデンツアでアタッカで終楽章に続きますが心を揺さぶるカデンツアでした。第２楽章にも長いソロもあり（ホルンの伴奏）忘れられない演奏になりました。初来日の彼も日本の聴衆の熱い声援を受けて今後も来日を重ねることになると思います。アンコール曲としては定番ながらＪ．Ｓ．バッハの無伴奏チェロ組曲第２番ＢＷＶ１００８より「サラバンド」でした。

ソリストのサラ・チャンの演目はブルッフですが、相変わらすの美音で、楽器の歌わせ方が抜群で、艶っぽくて破綻のないすばらしい演奏でした。 少女から美しい女性になって緑色のドレスも美しかった・・・(^^

　それに比べひどかったのがN響でやる気のないお役所仕事のようなつまらない演奏です。第１曲の「亡き女王のためのバヴァーヌ」はぽつぽつ、ブツブツでさすがに拍手もまばらです。案の定、「展覧会の絵」もでだしてトランペットがソロで音をはずしたりと惨憺たるものでした。指揮のノセダのがんばりでフィナーレでようやく調子が出てきましたが、あとの祭り。中学生のブラスバンドじゃないんだから、思いっきり吹いたら気持ちよかった、なんてありえないでしょう。プロなんだからもう少しまじめにやったらどうでしょう。それとも私の席が３階だったから？他にN響より下手でも熱心に演奏するオケはたくさんありますよ。客をなめてんのか！NHK丸抱えでオケに定年制があったりとまじめに精進する環境になく、指揮者もなめてるようなところがありますね。NHKの理事が不祥事で辞任してN饗に天下りしたりと、運営にも問題があるのでしょう。この演奏を黒田恭一さんは番組でなんというんでしょうか。辛口のようでも、NHKの番組でN饗をこき下ろすにもいかないでしょうが、番組の放映が楽しみです。アンケートに「N饗はいまいちのりが悪いのでは？」と書いておきました。帰ってきてからだんだん腹が立ってきた

このライブが終わった後
カラヤンは、キーシンと、キーシンの母親に向かって、こういったそうだ。
「天才だ」と。

その言葉を、母親の横で聞いた、キーシンは、どんな気持ちだったのだろう。
どれだけ、自分のいままでの時間、存在、これからの未来が輝いたのだろう。

カラヤンに対して、どんな感情を抱いたのだろう。

しかし……、この僅か半年後に、カラヤンはこの世を去ってしまう。

そう、これはカラヤンの、最後の映像作品でもあるのだ。

あまりにも、ドラマティックではないか。

• この２枚組みは、

　シューベルトの書いた最後の３つのピアノ・ソナタが収録してある。

最後にシューベルトが到達した境地。それをアファナシェフは冥府の音で表現している。

• やっぱり

　この曲のキモは、第２楽章だ。ここで終わらせて、もうひとつの《未完成》でも良かった？

いつも第２楽章を聴いた後は、続きを聴く気持ちが薄くなるんだ。無くても満足してしまう自分がいる。

ところが『ピアノ協奏曲〈ファイア〉』（０８年初演）になると、
どうも勝手が違う。

火（ファイア）＝動、水＝静という抽象的な二元論が災いしたか、
攻撃的なアレグロと「癒やし系」の瞑想が交代を繰り返すばかり。
小菅優の献身的な打鍵にもかかわらず、
ピアノの超絶技巧も細部が掻き消されがちで、
ここはバルトーク風、ここはラフマニノフ風といった印象ばかりが残っては、
うかばれまい。

３楽章制協奏曲の伝統を力強く肯定するのは、
前衛をただ気取るよりよほどいい。
だが、「型」は独創の刺激剤となってこそ意味がある。
４楽章制交響曲が透けて見える『マルコ・ポーロ』の成功例があるのだから、
できるはずだ。

概要

第1楽章冒頭

第1楽章 Molto moderato

4分の4拍子、ソナタ形式。跳躍は少ないが、シューベルトらしい歌謡的な第1主題に始まる。瞑想するような低音のトリルの後、突如変ト長調によって主題の旋律が歌われ、曲はゆっくりと進行していく。第2主題はゆっくり行進するような嬰ヘ短調の二重奏によって開始され、イ長調、ロ短調、ニ短調を経て、変ロ長調に回帰し、やがてヘ長調の深く考え込むようなコデッタに至る。再び低音のトリルによって提示部が反復された後、展開部が嬰ハ短調で開始されるが様々な転調を繰り返し、トリルが連続する瞑想的な部分に至る。敢えてここに激しい昂揚をさせない点にベートーベニアーナに終わらないシューベルトらしさがある。再現部は一切省略なく形式通り。長大な楽章で、ピアニスティックでなく交響的な部分が多いため、ピアノ独奏には負担が大きい。

今回は、モネ劇場管弦楽団・合唱団に加え、ネーデルランドオペラ合唱団が加わり、 さらに舞台上では「グレの歌」の物語(デンマークの詩人ヤコブセンによる物語。 中世デンマーク・グレ城を舞台とし、王・王妃・若い娘をめぐる嫉妬・毒殺・救済が描かれる。) を象徴的に視覚化した映像がスクリーンに投影され、ダイナミックな舞台が展開された。

「グレの歌」　　　 ( シェーンベルク )

しかししかし、この桁外れの傑作はその登場があまりにも遅すぎました。完成年は1911年ですから、完成直後に初演されたマーラーの交響曲第8番といい勝負です。しかし事前に十分名声を持っていたマーラーとは異なり、当時の青年シェーンベルクはまだまだ若く、そしてあまりにも無名でした。それに十分な実績と人気を誇るマーラーやリヒャルト・シュトラウスが存命中ということもあり、人々の注目は完全にこれらの巨匠たちへと集中してしまい、若きシェーンベルクの可能性に期待する人は少なかったのです。

しかも時代は大戦前夜。世の中があらぬ方向へ向けて大きく変化しつつある時代にあって、もはや完全に爛熟しきっていた後期ロマン派芸術の最後の楽園には、若きシェーンベルクが育てあげたこの美しい鉢植えひとつを植える隙間もないほど飽和状態に達していたといえます。

そして自らの居場所が無いことを悟ったシェーンベルクは、その後ロマン派的な調性音楽への未練をきっぱりと捨て去り、それまでの誰もが通ろうとすることのなかった、新しい試練の道を自らの手で開拓していことになるのです。

はじめに
第１部　序奏から第４曲まで	第5曲から第8曲まで	第9曲から第10曲まで	間奏曲	山鳩の歌
第２部
第３部　農夫の歌まで	男声合唱の場	道化のクラウス付近	ワルデマール王最後の歌	間奏曲～語り	終曲
CDレビュー

マスカーニ作曲『カヴァレリア・ルスティカーナ』 1890年初演

2003年テアトロ・コムナーレ“ウンベルト・ジョルダーノ”（フォッジャ）／伊語／作曲：ピエトロ・マスカーニ／指揮：エリザベッタ・マスキオ／演出：ジョヴァンナ・ノチェッティ／演奏：カピタナータ管弦楽団及びウンベルト・ジョルダーノ合唱団／出演：マッダリン・モンティ、アントーニオ・デ・パルマ、マウロ・ブーダ、アンジェラ・ボンフィット、アンブラ・ヴェスパシアーニ　ほか／振付：ルチーア・フィオーレ

このオペラは、激しいラブシーンがあることで有名ですね。キスをしながらデュエットがよくできるものですね。印象的な場面は、初夜のベッドが空中に浮く、イリュージョンのようなシーンです。まるでベッドが宇宙遊泳しているようでした。そのベッドで二人が激しく抱擁するので、ハラハラもしました。

個人的には、ドミンゴの指揮振りを始めて見ました。指揮する映像も多かったので、ファンは喜んだでしょうね。希望としては、料金が３，５００円と高いので、せめて2,500円にしてもらえば、もっと多く見れるのにと思いました。

「いずみシンフォニエッタ」のような小編成オーケストラの名人芸へ関心を移している。本人の弁では『細い筆で書きたい（各楽器声部を独立させ際立たせたい）』とのことだが、実際には各声部を16分音符単位でコミカルに動かすなど、速い旋律的動句を線的に用いることを追求している。この作風傾向は北爪道夫にも線的書法への傾斜という点で、類似がある。技法も円熟してこの時期からヘテロフォニカルな語法は作品背景の一部にしか現れない。汎アジア性の追求が空疎なエキゾチズム趣味に流れていない西村の優れた学究態度が作品にこめられている。

管楽合奏のための秘儀I、ピアノのためのスケルツォなどの近作は断章のモザイク化も顕著であり、ユニークな形式感覚への嗜好も目立っている。音色的にも軽く、聞きやすいオスティナートの率直な使用法に対し、「モーリス・ラヴェル的で聞きやすい」という形容も間違いとは言い切れない。2008年には「幻影とマントラ（2007）」が第56回尾高賞を受賞した

参考までにN響による『トゥランガリラ交響曲』は今まで以下のような公演があります。（間違っていたらごめんなさい）

1962.07.04 - 小澤征爾、イヴォンヌ・ロリオ、本荘玲子（日本初演）
1985.03.27 - 外山雄三、高橋アキ、原田節
1985.03.28 - 外山雄三、高橋アキ、原田節
1988.09.08 - エサ＝ペッカ・サロネン、ポール・クロスリー、原田節
1988.09.09 - エサ＝ペッカ・サロネン、ポール・クロスリー、原田節
1998.04.08 - シャルル・デュトワ、ピエール＝ロラン・エマール、原田節
1998.04.09 - シャルル・デュトワ、ピエール＝ロラン・エマール、原田節

―　慶應ではワグネル・ソサィエティー・オーケストラには入られていなかったのですか。

猿谷　ワグネルのオーケストラには入っていなかったですね、慶應ライト(Keio Light Music Society)には一時期入っていましたけれども。ここは基本的にはビッグバンドのクラブなのですが、そこでギターを弾いていたのです。ロックやジャズなどをずっとやっていました。自分のグループは結構いろいろな所で活動をしていたのですよ、東京の老舗ライブスポットみたいな場所でね。ちょうどそのビッグバンドのギタリストが４年生でもうすぐ卒業を控えていたので「君は１年からレギュラーだ、君の未来はここにある！」などとおだてられてホイホイと入ったのです。ところがそこではアンプ運びばかりやらされて、もう冗談じゃないよと思って（笑）、すぐ辞めてしまいました。

ベートーベンの皇帝です。こちらはグレン･グールドのフル･バージョンです。

ピアノ演奏：グレン･グールド

（全３幕プロローグとエピローグ付・上演時間：約２時間２０分）

最終更新日：2001年1月30日

［あらすじ｜CDリスト］

　愛音が聴いたオペラの中では、もっとも新しい時代に属しますね。。。現代ものは、オペラに限らず、本でもお花でも、なんでも苦手なほうなのですが・・・まあ、たまには、ね（笑）

作　曲：　イーゴリ・ストラヴィンスキー
原　作：　ホガースの８枚の銅版画
台　本：　Ｗ・Ｈ・オーデン、チェスター・コールマン（英語）
初　演：　１９５１年・ヴェネツィア・フェニーチェ劇場
登場人物：　トム・レイクウェル（Ｔ）／アン・トゥルーラヴ（Ｓ）／トゥルーラヴ（Ｂｓ）／ニック・シャドウ（Ｂｒ）／ババ（Ｍｓ）／セレム（Ｔ）

カラヤンの映像作品で、彼自身が演出したものはクローズアップを多用しすぎて見づらいのですが、これは
オーストリア放送協会と共同制作のためか、さほど違和感無く黄金のホールでの演奏会を楽しめます。

アメリカ合衆国オハイオ州ポーツマスに7人きょうだいの末子として生まれた。子供の頃から歌唱力に恵まれていたが、優等生で将来を高望みしてはいなかった。奨学金を得てオハイオ州シンシナティ・カレッジ音楽院に進み、声楽家になる冒険をせず音楽教師の職に就いた。

1971年に修士号を取得し、シンシナティ市内で児童の指導を開始。その間にも個人的に声楽の研究を続け、シンシナティ交響楽団首席指揮者のトーマス・シッパーズのオーディションを受けることになった。まだほとんど経験不足だったにもかかわらず、シッパーズに感銘を与えて、1972年にイタリアのスポレト音楽祭に出演する機会をつかむ。

そのマンゾーニの死（1873年5月22日）はヴェルディに深い悲しみをもたらした。ヴェルディはその個人的なショックが深かったことと、自らが参列することで厳粛な空気が乱されることを恐れて葬儀には列席しなかったが、同年6月3日個人的にマンゾーニの墓地を訪れて追悼を行った。そしてこの時点までに彼は新たな「マンゾーニ追悼のレクイエム」の構想を固めたらしい。ヴェルディは楽譜出版社リコルディ社の総帥、ジューリオ・リコルディを通じてミラノ市長にレクイエムの提案を行っている。ヴェルディからの条件は、初演の演奏に要する費用を市側が負担してくれれば、楽譜印刷の費用はヴェルディが支出しよう、というものであり、市長もそれを了承した。前回の「ロッシーニ」に懲りてか、ヴェルディはすべて単独で作業を進める心積もりだったようだ。

ヴェルディは1873年の夏、妻ジュゼッピーナと過ごしたパリで殆どの作曲を行い、翌年4月頃までには完成したと考えられている。なお同中「ラクリモーサ（涙の日）」は『ドン・カルロ』のパリ初演（1867年）時に演奏時間の都合でカットされた部分の転用、「リベラ・メ（我を救い給え）」は上記「ロッシーニ・レクイエム」の彼の作曲部分の転用である。

カリヨン (carillon) とは、フランス語または英語でメロディーを奏でるための複数の鐘を持った「組鐘」を意味する言葉である。その起源は14世紀頃（13世紀という説もある）にヨーロッパ地方のベルギーおよびオランダで使われた、時計の鐘が始まりとされる。英語ではチャイムとも言うが敢えてカリヨンと呼ぶ場合は以下に示すような演奏を前提としコンソールが標準化された楽器としての体裁を持つものを指す。

時代とともに鐘の数が増えて複雑なメロディーを自動演奏する技術が進んでいった。現在ではコンピューター制御のカリヨンも存在する。日本における学校のチャイムのメロディーで馴染みのある「ウェストミンスターチャイム」（通称ビッグ・ベン）はロンドンの時計塔の鐘のであるが、これもカリヨンの一種といえる。

バルトークの弦楽四重奏曲第4番（げんがくしじゅうそうきょくだい4ばん）Sz.91は、1928年に作曲された弦楽四重奏曲である。第3番の翌年の作品である。前作が単一楽章で、A-B-A'-(B')という形のゆるやかな統合であったのに対し、本作は5つの楽章をもち、第1楽章と第5楽章、第2楽章と第4楽章とが速度・拍子・形式の上で類似しており、さらに中間の第3楽章は三部形式でその第1部と第3部がそれぞれ第1楽章・第5楽章と動機上の関連を持つ、いわゆるアーチ構造のシンメトリカルな構成となっている。また、打楽器的奏法や和声法では前作で示された方法論が一層徹底的に追求され、荒々しいリズムと不協和な和声とをより先鋭化する特殊奏法が第3番以上に多用されており、演奏技巧上、弦楽四重奏曲中屈指の難曲とされている。

バルトークはこの先、前衛性を矯める方向へ進むため、本作をバルトークの弦楽四重奏曲中の最高傑作に挙げる愛好家も少なくない

幸田さんが、あるインタビューで、こう語っている。

「ドンギアさんは幾つものヒット曲を生み出しているイタリア人の
　ポップス作曲家です。　“カリヨン”　は、オーストリアの音楽祭
　で歌っていた私の声にインスパイアされて書いてくださった曲
　で、とても大切な曲です」
とのこと。
5分くらいの、ハ長調を基調としたゆったりと、でも、気取らず、
くつろいだ穏やかな曲想だけれど、聴いていて、ジワーっ、と、
胸が熱くなってくる曲。

あとは尾高が唖然とするほど見事な腕で調理してくれる。そうだ、尾高にまかせておけばいいのだ。

その第3楽章アダージョで、自席2階やや左前方から指揮者越しにコントラバスを観ることになるのだが、そのコントラバス、自分たちの番がないフレーズに、まるでオペラのストップモーションのように誰も動かない。なにか感動の空気が彼らに乗り移っているような見事な瞬間であった。

大阪府豊中市の生まれ。生まれたときの泣き声からしてソプラノだったという逸話を持つ。音楽への理解と造詣の深かった両親の元、愛情豊かに育ち、やがてその天賦の才が花開いていく。

1997年、東京芸術大学声楽科を首席で卒業。同大学院修了。後にオペラ研修所の第11期を修了する。さらに、文化庁派遣芸術家在外研修員の資格を得てイタリア・ボローニャで2年間研修留学を果たす。現在は、オーストリアのウィーンに引き続いてイタリアに在住。二期会会員。

近時、TBSの土曜夜、「ブロードキャスター」に稀にゲスト出演することがある。これ以外にもテレビ、ラジオ等メディアへの登場回数が増えるにつれ、全国的な知名度が上がっている。その美貌に加えて、潤いのある語り口に男性ファンが多い。

ジュリアード弦楽四重奏団（ジュリアードげんがくしじゅうそうだん、Juilliard String Quartet）は、アメリカニューヨークのジュリアード音楽院の校長だった作曲家、ウィリアム・シューマンの提唱により、ジュリアード音楽院の教授らによって1946年に結成された弦楽四重奏団である。ヨーロッパ出身の弦楽四重奏団のような民族色はないが、完璧なアンサンブル、緻密で明快な音楽解釈、高度な統一感のもたらす音楽表現の広さにより、現代の弦楽四重奏団の最高峰の一つとされている。

バルトーク以降の現代音楽で積極的に演奏を行うほか、モーツァルトやベートーヴェンなどの古典でも名演奏を残している。またバルトークやヒンデミット、エリオット・カーターなど、近現代の作曲家の全集を録音するなどレパートリーは広く、20世紀後半以降の音楽界への貢献は大きい。

この作品の第1楽章は葬送の音楽であるとバルトークはゲイエルへの手紙に書いている。しかも、その主題は彼自身が『シュテフィのライトモティーフ』と呼び、彼女に贈った協奏曲の主要主題のモチーフの変形から成っていて、2本のヴァイオリンが短いカノン風に呼び交わす構成になっている。この頃、二人の間で自殺論議の手紙がやりとりされている事実や、その後の二人の交際のなりゆきなどを含め、多くの研究者が注目するところである（バルトークの遺されている書簡では、シュテフィとの別れを迎えた当時の彼は、かなり落ち込んでいたらしい）。また、シェーンベルクが12音技法を確立する以前の作品であるが、冒頭3小節の間に12の音がすべて使われていることも、よく知られている。

第2楽章では、全音音階やオスティナート音型の使用が顕著で、特に後者は調性の軛から放たれた音楽をまとめ上げ安定させる装置として同時代の新ウィーン楽派やストラヴィンスキーが多用した音型として影響関係が認められる箇所である。

第3楽章は、ソナタ形式風の変奏曲。バルトークはその変奏技法を、民謡採取のフィールドワークから学んだとされている。すなわち、村から村へ音楽を採集し、あるいは同じ村の古老と若者から同じ歌を聴き、それらが変形してゆく過程に興味を持ち自らの変奏技法として取り込んだと言われる。この楽章ではその変奏技法と民謡がもっていたリズムの活力、シンコペーションの力強さ、変拍子の妙が十全に発揮されている楽章である。

音楽研究家セルジュ・モルーは、その著作『バルトーク』の中で、この作品とベートーヴェンの弦楽四重奏曲第14番作品131との類似を指摘している。

 このサイトを見ながらビデオを観るのがよい。

• 「N響アワー」(NHK教育TV)にて、パヌフニクの「カティンの墓碑銘」、ルトスワフスキの「管弦楽のための協奏曲」を、尾高忠明さんの指揮で聴く。
• パヌフニク「カティンの墓碑銘」は初めて聴く曲だったけれど（パヌフニクの作品自体、聴くのが初めて）、技法こそ現代的なれど“音楽”として耳に（頭に）入って来易い曲で、しかも題材の内容もあり、悲痛・悔恨・哀悼といった情感もストレートに心に来る曲であった。音盤にて、いずれ再遭遇を望みたい曲。
• ルトスワフスキ「管弦楽のための協奏曲」は、音盤は2種持っていて（作曲者指揮のポーランド国立放送響盤と、バレンボイム指揮シカゴ響盤）、かなり前から聴き知っている曲だったのだが、しかし実は聴き通しても一度もピンと来たことが無い、いわば“難攻不落の城”のような曲だった。これが、記念すべきことに、今日のこの番組での演奏で、初めて“飲み込めた”感じを味わうことが出来た。初めて聴き馴染めて、こういう曲だったのか！イイじゃないか！と膝を打つに至れた次第。尾高さんは、邦人指揮者の中で、個人的に最も信頼を置いて聴かせてもらうことが出来る人です。

管弦楽のための協奏曲（かんげんがく-きょうそうきょく）は、ポーランドの作曲家ルトスワフスキによって、1950年から54年にかけて作曲された管弦楽曲。ワルシャワ・フィルハーモニー管弦楽団の指揮者ヴィトルト・ロヴィツキに献呈された。

• 演奏時間：約30分
• 初演：1954年11月26日、ワルシャワにて。

この作品の成功により、ルトスワフスキの西側諸国での知名度があがった。

種々の楽器のために民俗音楽的な小品を作曲した経験を生かして、ルトスワフスキはポーランド民族音楽によるより大規模な作品の作曲をしようと考えた。しかし、この作品はその規模が大きくなったというだけでなく、この作品においては民族音楽は旋律の主題にのみ残されたという点で特徴的である。ルトスワフスキは、これらの民謡に原曲とは異なる和声法をほどこし、さらに無調の対位法などを施して、これらを新バロック様式に生まれ変わらせている。

「ツァラトゥストラはかく語りき」の中の「酔歌」をテキストにした歌曲楽章。
歌詞はこのようなもの。

　アルトの旋律は第1楽章の序奏主題の後半、第一主題部の旋律と関係を持っています。第1楽章の内容を言葉で語っていると考えられます。それをどう読み取るかはなかなか難しいのですが…。

2曲目は私的メインのメンデルスゾーン／ヴァイオリン協奏曲ホ短調。カプソンはかつてクライスラーが使用していたという1721年製ストラディバリウスで、いつも通り非常に美しい音色を奏でます。若干迫力に不足するきらいはありますが、これほどきれいな音色が出せる人はそれほど多くないでしょう。ただ、さすがにCDで聴くほどに演奏は完成されておらず、ところどころほつれが見られたのは残念でした。また、何の魅力も感じられないオケの音色には辟易としました。いくら通俗名曲だからといって、この演奏はないのではないでしょうか。

カプソンのアンコールはグルック／「メロディ」。カプソンの持つ美しい音色が最大限に生かされたいい演奏だったと思います。カプソンが無伴奏で弾くのは初めて聴きましたが、なかなか聴かせてくれます。

3曲目はラフマニノフ／交響的舞曲。ラフマニノフ自身は最後の作品になったこの曲を「最高の作品であり、過去の総決算」と考えていたそうですが、私にはよくわかりませんでした。わからないのでレポを書くのもやめておきます。というか、書けません・・・。

以上、お目当てのカプソンが聴けてご満悦だったものの、他の曲はよくわからなかった今日の演奏会でした。渡邊一正とかいう指揮者の問題も小さくないだろうけど、N響もう少し頑張れ。

正直、これまで聴いてきたフランクはいったいなんだった？っていうくらい、彼女たちのフランクは違っていました。たとえてみれば、前半のベートーヴェンとプロコフィエフを足して3倍にした感じ(^^;

美しく、上品な印象を抱きがちなフランクのソナタから、情熱と暴力、激しさと強靭さを引き出していました。第3楽章のレチタティーヴォの部分を頂点として全体を考えられていたように感じました。

彼女らは、とてつもなく情緒的でありながらも、冷徹な客観性を同時に持てる特異な才能。楽器から美しさだけではなく、汚さと残酷な面を引き出す魅力。

その後もメフィストの手助けにより絶世の美女やすべての富を手に入れたりするが、年をとらない彼の前では、女性の美しさなど一瞬のもので、富も意味をなさないことを知る。後に残ったのは、年をとらないが故の永遠の苦しみだけだった。ある日、波に洗われる荒涼とした海辺の土地を眺めながら、民とともに荒れた地を整え、世界を作り治すことを思いつく。

この天地創造にも似た事業に生き甲斐を見いだしたファウストは、「日々、自由と生活のために戦うものこそ、自由と生活を享受するにふさわしい」と悟り、ついに、「この瞬間よ、止まれ、おまえはいかにも美しい」と＜＜満足＞＞することができる。賭に勝ったメフィストフェレスは彼の魂を地獄へ連れ去ろうとするが、天国から来たグレートヒェンの願いが聞き入れられ、ファウストは天使達により天国に導かれる。

解説：

悪魔は、信仰の力で撃退はできるものの、根絶することは出来ない。悪魔は我々の心の影ゆえに、我々がいる限り悪魔も存在するからだ。ファウストは、事業が完成するのを待たず将来の夢を確信したところで、＜満足＞を認めてしまう。悪魔は賭けには勝ったがその理由がわからなかった。ファウストの満足は真に高次元の欲求（人のために尽くすという自己超越）によるもので、悪魔にはない概念ゆえに理解できないのである。ファウストの魂をグレートヒェンが最後に救いに来たのは、高次元の欲求は信仰と同等に貴いと言いたかったのだと思う。

休憩を挟んで2曲目はラヴェル／「鏡」。これが白眉でした。エル=バシャから紡ぎ出されるピアノの音色は、使い古された言葉で形容するならば色彩感豊かなもの。下手をすると単なる音の羅列に陥ってしまうラヴェルのピアノ曲がこれほど多彩な表情を持って眼前に現れたのには、日ごろラヴェルのピアノ曲をそれほど聴かない私にとって驚きですらありました。う～ん、やはりラヴェルを弾かせるとこの人は凄い。思わず聴き入りました。この人の弾くラヴェルの協奏曲も聴いてみたい。

間髪置かず3曲目はラフマニノフ／練習曲集「音の絵」。恥ずかしながら、これは初めて聴く曲でした。演奏の方はというと、振幅の大きな演奏で、軽々と、時に大胆に表情をつけていました。冴え渡るテクニックも健在です。そんなわけでいい演奏だったとは思うのですが、今ひとつ曲になじめないこともあり、大満足というわけには行きませんでした。もっとも、これは不勉強な私の側の問題が大きいでしょう。